CULTURE : EXPO2015 C'est quoi?

Ciao Ragazzi! 

  Comment être à Milan sans vous parler de l’événement de l'année? Et peut être bien de la décennie d'ailleurs ! En effet, Milan accueille pour l'année 2015 l'exposition universelle sur le thème :" Nourrir la planète, énergie pour la vie". Appelé EXPO2015 cet événement bouscule la routine des milanais. De mai à novembre 2015 la ville va accueillir le monde entier dans un espace en cours de construction. Celui ci s'étend sur une longueur de 1,5 kilomètres et une largeur de 350 mètres. Une vraie ville dans la ville. Soixante pays bâtissent actuellement leur pavillon le long de la route centrale. Le plan est inspiré des rues typiques des camps romains. Les deux rues principales (dans la longueur et la largeur) se croisent perpendiculairement en formant une croix. En plus de ces 60 pavillons internationaux, plus de 120 autres pays seront présents à travers des pavillons thématiques, appelés Cluster. Ceux-ci sont au nombre de 9 : -les fruits et légumes -riz -cacao -café -épices -céréales - bio mediterraneo - isole mare e cibo - zone aride.

  Come essere a Milano senza parlarvi dell'evento dell'anno? E forse anche del decennio! Infatti, Milano accoglie per il 2015 la mostra universale sul tema : "Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita" Chiamato EXPO2015, questo evento stravolge i milanesi. Da maggio a novembre 2015 la città va accogliere il mondo intero in un spazio che sta costruendosi. Questo si estende su una lunghezza di 1,5 chilometri e una larghezza di 350 metri. Una vera città nella città. Sessanta paesi stanno costruendo adesso il loro padiglione sulla strada centrale. Il piano e ispirato delle strade tipiche dei campi romani. Le due strade principali (Lunghezza e Larghezza) si incrociano perpendicolarmente formando un croce. Oltre a questi padiglioni internazionali, più di 120 altri paesi saranno presenti in padiglioni tematici, chiamati Cluster. Questi qui sono 9 : - la frutta e legumi - riso - cacao - caffè - spezie - cereali - bio mediterraneo - isole mare e cibo - zone aride.

  Un véritable événement international vous a-t-on dit ! Le pavillon italien se trouve lui au centre, rencontrant ainsi symboliquement les autres pays.
Mais Ju' et moi-même ne voulions pas simplement vous faire la publicité de cette exposition mais aussi vous parler du LOGO de celle-ci. LOGO qui est, en effet, visible partout en ville et ailleurs.
Ce logo est le fruit d'un concours qui a regroupé un très grand nombre d'étudiants et designers. C'est monsieur G.Armani en personne qui a fait un choix parmi les centaines de propositions. Il s'est arrêté sur deux propositions différentes qu'il a ensuite soumis à un vote du public. Chacun a pu élire sa préférée. C'est la création ci dessous de Andrea Puppa à gauche qui a gagné.

  Un vero evento internazionale vi abbiamo detto ! Il padiglione italiano lui si trova al centro, incontrando così simbolicamente gli altri paesi.
Ma il Ju' e io stesso non vogliamo semplicemente farvi la pubblicità di questa mostra, ma anche parlarvi del LOGO di questa. LOGO chi è, infatti visibile dovunque in città ed altrove.
Questo logo è la frutta di un concorso che a raggiunto un grande numero di studenti e designer. E il signore Giorgio Armani lui stesso che ha fatto una scelta tra un centinaio di proposte. Si è fermato su due proposte diverse che ha dopo sottomesso a un voto pubblico. Ognuno ha scelto la sua preferita. E la creazione di Andrea Puppa in basso a sinistra che ha vinto.

   Ce logo est composé de quatre lettres E.X.P.O et de quatre chiffres 2.0.1.5 qui se superposent. Cette superposition est possible car la police choisie est simple et composée de formes géométriques. Il en devient alors très lisible. De plus, la transparence amène une lecture multiple du logo. Si l'on parle des couleurs maintenant, on peut voir que ce sont les couleurs primaires qui sont utilisées. Les chiffres sont en jaune et les lettre en cyan ou magenta. Ce qui fait la magie et la complexité du logo est le fait qu'en se superposant et grâce à la transparence les couleurs primaires se transforment en couleurs secondaires.

  Questo logo, si compone di quattro lettere E.X.P.O e quattro cifre 2.0.1.5 che si sovrappongono. Questo sovrapposizione è possibile perché il font scelto è semplice, e compone di forme geometriche. Diventa allora molto leggibile. In più, la trasparenza porta una lettura multipla del logo. Se parliamo adesso delle colore, possiamo vedere che sono le colore primarie che sono usate. Le cifre sono in giallo e le lettere in azzurro o in magenta. Quello che fa la magia e la complessità del logo è il fatto che sovrapponendosi e grazia alla trasparenza le colore primarie si trasformano in colore secondarie. 

  Ainsi on voit apparaître de l'orange, du violet et du vert. On obtient donc une police claire et une lecture multiple qui se veulent la métaphore de la nourriture. Je m'explique. Le thème de cette exposition est "Nourrir la planète, énergie pour la vie". Si nous mettons en relation le logo et l'essence même de la nourriture nous obtenons un sens commun. En effet, les ingrédients pris un à un sont des éléments d'une extrême simplicité, mais lorsqu'on les combine ils deviennent des recettes complexes et surtout RICHES en goût.

  Così, si vede apparire dell'arancione, del viola e del verde. Otteniamo quindi un font chiara e una lettura multipla che si vogliono la metafora del cibo. Mi spiego. Il tema di questa mostra è "Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita". Se mettiamo in relazione il logo e il simbolo del cibo, otteniamo un senso comune. Infatti, se prendiamo gli ingredienti da soli, sono degli elementi di grande semplicità, ma quando le mettiamo insieme, diventano ricette complesse e sopratutto RICHE in gusto. 

  N'hésitez pas à réserver votre voyage pour Milan cet été, vous serez invités dans une promenade aux quatre coins du monde entre saveurs, cultures et respect de notre planète.

  Non dimenticate di prenotare il vostro viaggio per Milano quest'estate, sarete invitati in un giro ai quattro punti del mondo tra sapori, culture e rispetto del nostro pianeta. 

Lu & Ju

LE DESIGNER DU MOIS : Vico Magistretti

    Pour cette première édition italienne du designer du mois, nous avons décidé de vous présenter une des figures phare: Vico Magistretti. En effet il a laissé une empreinte forte, notamment à Milan, ville où il naît en 1920. Il y fait également ses études d'architecture dans la grande et reconnue université Politecnico di Milano. Il finit l'école en 1945 après quoi il travaille dans le studio de son père. Vico, de son vrai nom Ludovico Magistretti a hérité le talent de Piergiulio Magistretti. En effet ce dernier est entre autres l'architecte des galeries Vittorio Emanuele II près du Duomo de Milan, en 1935. 

Per questa prima edizione italiana del designer del mese, abbiamo scelto di presentarvi una dei grande persone: Vico Magistretti. In effetti ha lasciato una impronta forte, specialmente a Milano, città dove nasce in 1920. Qui, ha studiato l’architettura nella grande e conosciuta università Politecnico di Milano. Finisce la scuola in 1945 dopo di che lavora nel studio de suo padre. Vico, del suo vero nome Ludovico Magistretti, ha ereditato del talento di Piergiulio Magistrati. In effetti suo padre è non meno che l’architetto delle Galerie Vittorio Emanuelle II vicino del Duomo di Milano, in 1935.

   

 En tant qu'architecte, Vico Magistretti a réalisé notamment le quartier San Felice à l'est de Milan. Cette cité jardin a été pensée comme une bulle séparée physiquement du reste de la ville: milieu urbain chaotique il est composé de petits immeubles, d'un centre commercial et sportif. Tout comme Le Corbusier, architecte avant lui, il se voit obligé de créer du mobilier pour répondre au besoin d'aménagement de ses édifices. Très vite, dans l'époque de gloire du design italien  il devient designer de renommée.

Nella sua vita di architetto, Vico Magistretti ha realizzato il quartiere San Felice a l’este di Milano. Questa città giardino ha stato pensato come una bolla separata fisicamente del resto della città: medio urbano caotico. È fato di piccoli edifici, d’uno centro commerciale e sportivo. Tutto come Le Corbusier, architetto prima di lui, si vede nell’obbligazione di creare del mobile  per rispondere al bisogno di arredamento dei suoi edifici. Molto rapidamente, nell’epoca di gloria del design italiano diventa designer di grande reputazione.

  

    Il obtient d'ailleurs plusieurs Compasso d'Oro (Distinction de design italienne), notamment pour sa lampe Eclisse (édition Artemide) en 1967, que nous avons eu l'honneur de représenter sous logiciel CAO cette année, mais aussi pour sa lampe Atollo (édition Oluce) en 1979 etle canapé Maralunga 675 (édition Cassina) en 1979 également.

Inoltre, ottiene diverse Compassi d’Oro, in particolare per la sua lampada Eclisse (edizione Artemide) in 1967, che abbiamo avuto la fortuna di ripresentare sotto un software CAO quest’anno, mà anche per la sua lampada Atollo (edizione Oluce) in 1979 e il sofa Maralunga 675 (edizione Cassina) in 1979 anche lui.

  Sa ligne directrice pour toutes ses créations est la simplicité. Mais comme il l'a si bien dit : " La semplicità: La cosa la più difficile del mondo." Pour arriver a cet objectif, il travaille des formes géométriques centrées sur l'essentiel. Qualité qu'on reconnaît à ses oeuvres. Autre devise du designer, qui s'avère être applicable pour lui même: "Un oggetto di buon design deve durare a lungo, 50 anche 100 anni". En effet, plus de 50 ans après leur première sortie, les objets de Vico Magistretti sont encore des "Best Sellers". Douze d'entre eux sont aujourd'hui exposés de manière permanente au MoMA de New York. Décédé en 2006, on entend encore et toujours parler de lui: par exemple, Cassina fait la publicité du canapé Maralunga quarante ans après dans le magazine IDEAT (Hors Serie Architecture, Octobre 2014).

La sua linea direttrice per tutte le sue creazioni è la semplicità. Mà come l’ha detto lui: « La semplicità: la cosa la più difficile del mondo. » Per arrivare a quest' obiettivo, lavora le forme geometriche incentrate sull’essenziale. Qualità che si riconosce a suoi prodotti. Altro motto del designer, che è applicabile per lui stesso: « Un oggetto di buon design deve durare a lungo, 50 anche 100 anni ». In effetti, più di 50 anni dopo la loro prima uscita, i oggetti di Vico Magistrati sono ancora dei « Best Sellers ». Dodici di questi oggetti sono esposti permanentemente al MoMA di New York. Deceduto nel 2006, si sente ancora parlare di lui: per esempio, Cassina fa della pubblicità per il sofà Maralunga quaranta anni più tarde nella rivista IDEAT (Hors Serie Architecture, Ottobre 2014).

CULTURE : Musée de la tiennale de Milan

   Bonjour, et bienvenue en Italie!

Buongiorno e benvenuto in Italia! 

Pour notre première semaine milanaise nous avons choisi de visiter le musée de la triennale. 

 Per la nostra prima settimana milanese, abbiamo scelto di visitare il

museo della triennale. 

  Il se trouve dans le superbe parc Sempione au centre ville. L'exposition permanente revient sur le design Italien d'après guerre: Période ou le pays est en pleine reconstruction. Les designers tels que Gio Ponti ou Ettore Sottsass utilisent alors de nouveaux matériaux.

 Si trova nel bellissimo parco Sempione nel centro della città. La mostra permanente parla del design italiano di dopo guerra : Periodo dove il paese è in piena ricostruzione. I designer come Gio Ponti o Ettore Sottsass usano materiali nuovi. 

Avec les années 1970 arrive le premier choc pétrolier, et donc des années de crise économique. C'est le grand boum de l'autoédition. Comme exemple nous pouvons citer le groupe du Memphis avec Alessandro Mendini ou Gaetano Pesce.

Negli anni 70 succede il primo urto petrolifero, dunque degli anni di crisi economica. E il grande boom dell’autoproduzione. Come esempio, possiamo citare il gruppo Memphis con Alessandro Mendini o Gaetano Pesce.  

S'en suit une grande période d'EXPERIMENTATION. Les designers utilisent les objets du quotidien qu'ils sortent de leur contexte. Ainsi une ampoule devient vase et des tubes en plastique une chaise.

C’è allora un grande periodo di sperimentazione. I designer usano oggetti di ogni giorno al di fuori di loro contesto. Così una lampadina diventa un vaso et degli tubi plastici una sedia. 

A la fin de cette promenade dans le temps, on arrive dans une salle entièrement réservée aux icônes du design, aux objets cultes, aux totalement Incontournables.

Alla fine di questa passeggiata nel tempo, arriviamo in una aula interamente dedicata alle icone del design, agli oggetti culti, ai totalmente Imprescindibili.

Ce sont ceux qu'on doit connaitre et qui montrent que le design Italien dure dans le temps malgré les changements de mode.

 Sono quelli che dobbiamo conoscere e che mostrano che il design Italiano dura nel tempo malgrado i cambiamenti di moda.

Lu et Ju

LE DESIGNER DU MOIS : Gaetano Pesce

    "Plus de diversité et moins d'égalité"

  Après avoir repéré une exposition de ce personnage dans la ville de Rome, nous nous intéressons ce mois ci à son histoire.

Grand artiste "Complet" ( en effet il est peintre, architecte, designer, sculpteur et philosophe!), Gaetano Pesce est né en 1939 en Italie nella regione Liguria. Il ne s'essaye au design qu'à partir de la fin des années soixante, période où les normes et le conformisme sont oubliés: les années pop. Gaetano Pesce se plaît dans cette époque, car elle lui permet d'experimenter toutes sortes de matériaux: son passe temps favori ( Travail au CIRVA ). En effet, il n'a guère utilisé de matériaux naturels, il préfère les matériaux synthétiques tels que: résine, élastomères, mousse polyuréthane... Dans l'ensemble de ses produits, il n'utilise jamais de formes géométriques, et préfère les formes laissées au hasard. D'ailleurs, presque toutes ses pièces sont uniques grace aux matériaux utilisés et à leur forme initiale. C'est ce qui plaît à Gaetano, c'est de la diversité et non pas de l'égalité. Il ne s'intéresse plus à la fonction d'un objet comme beaucoup l'on fait avant, mais il préfère s'attarder sur leur sens, et donc avoir une approche philosophique. 

Sa première grande création date de 1969 et lui a permis d'atteindre une notoriété mondiale.

La série UP est composée de 6 (puis 7) sièges en mousse polyuréthane alvéolée qui ont la particularité de se gonfler lors du déballage.

Le UP 5 reste le plus marquant, est celui que tout le monde cite lorsque l'on parle de Gaetano Pesce. Le designer défend la place des femmes dans la société. Ce siège, la Mama accompagné de son "boulet" (UP 6) représente pour lui la femme esclave de la société et des hommes. Ces 7 modèles sont visibles au Vira Design Museum et édités chez B&B Italia.

Quelques une des autres oeuvres de Gaetano Pesce, puisqu'on ne peut plus s'en passer. 

 

Si vraiment vous voulez en connaître et en savoir plus, je vous invite à aller au Maxxi à Rome (Musée National des arts du XXIeme siècle). La rétrospective rassemblera plus de 300 pièces de ce fabuleux artiste du 28 mai au 4 octobre 2014 !!

Ju & Lu

LE DESIGNER DU MOIS : Raymond Loewy

"La laideur se vend mal"

  Raymond Loewy fait partie des incontournables lorsqu'on parle de designers. Né en 1893, en France il  commence par faire des études d'ingénieur. Ensuite, devient concepteur de vitrines et illustrateur de mode. Appelé à faire la première guerre mondiale, il reçoit la légion d'honneur. Les années 20 marquent un tournant dans son existence. En effet, ce français s'expatrie aux Etats Unis où il ouvre son agence de design industriel. Il étend son agence, dans les années 30 à Londres et Paris. Son début de carrière est marqué par le courant du streamline dans lequel il s'inscrit avec son taille crayon par exemple.  

Ce sont les personnes pour qui il a travaillé qui font de lui une légende ! Pour l'anecdote, il a travaillé dans l'aménagement intérieur de la navette spatiale Skylab pour la NASA.

Mis à part cela, Raymond Loewy a vraiment été un designer industriel multifonction.

En effet, il a aussi bien fait des bus, que des ustensiles de cuisine en passant par des logos ou des radios.

De Heinz à Lucky Strike en passant par Shell ou Exxon, Raymond Loewy façonnera également tout au long de sa carrière l'image d'une multitude d'entreprises. 

La plus grande innovation pour son époque qu'il réalisera est "l'agence de conseil". 

J'ai choisi de vous parler d'un des objets inventés par Raymond Loewy puisqu'il était surnommé le "père du design industriel". C'est donc en 1947 qu'il réinvente un distributeur de soda pour la célèbre (enfin je crois) marque Coca Cola.  Il le rend plus moderne avec une forme aérodynamique tout droit sortie d'une soufflerie. Il permet aussi avec ce nouveau modèle une meilleure efficacité et donc plus de profits!

De loin, si on enlevait le logo et la marque coca cola, on pourrait penser que cet objet est en réalité un moteur de bateau ! 

Les deux images sont à gauche une publicité à la peinture à l'huile de 1949 et à droite le dessin du brevet qui a été déposé aux Etats Unis. 

 Lu

  Le premier logo de la compagnie Shell   est apparu au début du 20ème siècle. La société a fait appel à Raymond Loewy 

dans l'objectif de rendre le logo plus facilement identifiable. Le logo sera de plus en plus simple, ayant comme image d'origine: la silhouette d'une coquille Saint-Jacques.

C'est en 1971 que le logo a prit sa forme qu'il a encore aujourd'hui; que Raymond Loewy a dessiné. 

L'identité visuelle a été conservée, mais le logo est d'avantage dynamique, réellement simplifié je le trouve plus pertinent que celui de 1961, et il m'a toujours interpelé au bord des routes! 

C'est en 1999 que le nom de la marque sera enlevé du logo.                                    Ju

        

Bref, Raymond Loewy a su transformer les objets du quotidien en objets cultes et incontournables. 

LA DECOUVERTE DU MOIS : Robert Van Embricqs

   Robert Van Embricqs est un Designer Hollandais diplômé de la Gerrit Rietveld Academy: une école d’architecture qui se trouve à Amsterdam. Pendant sa scolarité, Robert s’est approprié une technique de conception de mobilier capable de se plier et de se déplier à la guise de l’utilisateur.

Robert Van Embriqs is a Dutch designer who graduates in the Gerrit Rietveld Academy: It’s a school of Architecture in Amsterdam, Netherland.  During his school time, Robert appropriates a technical of furniture conception. This furniture could fold over or unfold like the user want. 

Sa première création est la Rising Chair, une création récompensée de plusieurs prix: le Troisième prix du concours Fubiz Awards en 2013, et le premier prix des concours Red dot design award et WoodChalenge en 2011.

His first creation is the Rising Chair, a creation which has many prizes. It got the third prize for the Fubiz Awards in 2013 and the first prize for Red dot design award and WoodChallenge in 2011. 

Ce jeune designer a exposé à la Dutch Design Week d’Eindhoven: c'est là que nous l’avons découvert.

 Son concept est de partir d’une surface totalement plane en bois et de faire naître un mobilier par pliage. Cette surface plane est composée de lattes en bois, coupées à certains endroits et articulées de telles sortes que chacune puisse être coudée: un vrai tour de magie. Un pliage simple mais d’apparence très complexe, ce qui lui permet de lier pratique et esthétique d’une manière remarquable. Sa forme peut faire penser à des formes biologiques, à l’armature de la coque d’un vieux vaisseau, et tous ces pliages peuvent s’apparenter à l’origami.

This young designer shows his job at the Dutch design week in Eindhoven: It’s there that we discovered him. 

His concept is to start with a flat surface in wood and to make the furniture born by folding over. This flat surface is composed by wooden slat, cut in several parts. Thanks to that, the slats could be articulated. It is a magic act. A folding very simple but a complex form, this permit to attach the practical and the aesthetic. Its form seems to be a biologic form, or origami.

La Rising chair a des frères et soeurs: la Rising Table et la Rising Side Table et Rising Stool qui reposent sur le même procédé.

The Rising Chair has brothers and sisters: The Rising Table, the Rising Side Table or the Rising Stool that function by the same concept. 

Mais sa technique ne se limite pas à l’échelle du mobilier, notre designer a la volonté de pousser son idée à l’échelle architecturale. Comme par exemple pour le Shift & Merge Pavillion.

 C'est une structure de lattes en aluminium articulées par des charnières: de manière à créer des zones d’ouverture lorsqu’il est en volume. Nous aimons cette idée de pouvoir passer d’une surface plane à une infrastructure. 

But his technic is not only for furniture, it could be for architecture too. For example for the Shift&Merge Pavilion. 

This is a structure with aluminum slates articulated by hinges. Thanks to this, there are opened zones in the volume.  We like this idea, which it’s possible to start with a flat surface and finish with an infrastructure. 

   

Ju & Lu 

CULTURE : Le Corbusier et la question du brutalisme

  Aujourd'hui, sortie scolaire à Marseille! 

C'est avec grand plaisir que nous nous dirigeons vers le J1. 

C'est un immense hangar sur les quais du port de Marseille. Il a été aménagé en un lieu de 2500 m² d'exposition pour Marseille Capitale de la culture 2013 (MP2013). C'est une exposition sur un architecte bien connu ici qui nous attend: Charles-Edouard Jeanneret, plus connu sous le nom du Corbusier, et la question du Brutalisme. 

Le Corbusier, qui ne nous quitte plus, est un artiste complet; on a déjà remarqué qu'en plus d'être un architecte, il est un designer industriel mais aussi un urbaniste. Aujourd'hui on a appris qu'il peint également, sculpte à quatre mains avec un ami et sur la fin de sa vie il fait même des vidéos. Autre nouvelle, "Le  Corbusier" est en réalité le nom d'un de ses ancêtres qu'il prend comme pseudonyme.

Il établit des principes architecturaux avec son projet architectural "Dom-ino" qui marque le début de la standardisation en architecture (eh oui, c'est avant tout un architecte). 

Ses Principes sont les suivants: 

- Un système d'élévation du bâtiment soit des pilotis qui permettent de dégager la structure de l'humidité du sol, mais aussi de garer les voitures, car oui, déjà dans les années 20, le Corbusier les considère comme un membre de la famille.

- Une structure qui élimine les murs porteurs au profit de piliers porteurs: ce qui permet d'avoir de grandes baies vitrées et donc des intérieurs lumineux et bien chauffés grâce au soleil. Le Corbusier étudiait énormément les trajectoires du soleil, de manière à accentuer ou diminuer son effet de chauffe selon les saisons.

 

- Un toit terrasse, ou pont du navire, qui permet d'avoir diverses activités telles qu'une piscine ou un théâtre mais aussi une belle vue du ciel. 

  Le Corbusier met également un point d'honneur à ce que la culture du lieu soit intégrée au bâtiment qu'il imagine.

C'est ce que l'on appelle "le Régionalisme", il utilise par exemple, en plus du béton des pierres de pays pour bâtir ses immeubles. 

  Lorsqu'il construit la ville Chandigarh après l'indépendance de l'Inde, Le Corbuiser cherche aussi des symboles qui représenteraient le pays qu'est l'Inde, pour différencier ses constructions de celles occidentales. Cette ville est entièrement bâtie sur les bases du Modulor (Voir article Le Corbusier) des routes aux constructions. Ca a été le seul moyen de communication entre les chefs de chantier du Corbusier et les artisans Indiens.

 Le thème principal de cette exposition était aussi "le Brutalisme", qui est en réalité l'emploi de matériaux bruts, qui seront mis en valeur, et ne subiront pas de finitions. Ajoutez à ces caractéristiques des formes géométriques simples, et vous toucherez cet art que manipule assez bien Charles-Edouard Jeanneret.

L'exposition aussi a été entièrement pensée selon le Modulor; la hauteur de plafond, la taille des différentes salles, leur distance des unes des autres, la largeur des passages, et même les couleurs sont celles utilisées le plus souvent par Le Corbusier: Un excellent moyen de s'immerger dans son mode architectural.

Lu et Ju !

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