CULTURE : Musée de la tiennale de Milan

   Bonjour, et bienvenue en Italie!

Buongiorno e benvenuto in Italia! 

Pour notre première semaine milanaise nous avons choisi de visiter le musée de la triennale. 

 Per la nostra prima settimana milanese, abbiamo scelto di visitare il

museo della triennale. 

  Il se trouve dans le superbe parc Sempione au centre ville. L'exposition permanente revient sur le design Italien d'après guerre: Période ou le pays est en pleine reconstruction. Les designers tels que Gio Ponti ou Ettore Sottsass utilisent alors de nouveaux matériaux.

 Si trova nel bellissimo parco Sempione nel centro della città. La mostra permanente parla del design italiano di dopo guerra : Periodo dove il paese è in piena ricostruzione. I designer come Gio Ponti o Ettore Sottsass usano materiali nuovi. 

Avec les années 1970 arrive le premier choc pétrolier, et donc des années de crise économique. C'est le grand boum de l'autoédition. Comme exemple nous pouvons citer le groupe du Memphis avec Alessandro Mendini ou Gaetano Pesce.

Negli anni 70 succede il primo urto petrolifero, dunque degli anni di crisi economica. E il grande boom dell’autoproduzione. Come esempio, possiamo citare il gruppo Memphis con Alessandro Mendini o Gaetano Pesce.  

S'en suit une grande période d'EXPERIMENTATION. Les designers utilisent les objets du quotidien qu'ils sortent de leur contexte. Ainsi une ampoule devient vase et des tubes en plastique une chaise.

C’è allora un grande periodo di sperimentazione. I designer usano oggetti di ogni giorno al di fuori di loro contesto. Così una lampadina diventa un vaso et degli tubi plastici una sedia. 

A la fin de cette promenade dans le temps, on arrive dans une salle entièrement réservée aux icônes du design, aux objets cultes, aux totalement Incontournables.

Alla fine di questa passeggiata nel tempo, arriviamo in una aula interamente dedicata alle icone del design, agli oggetti culti, ai totalmente Imprescindibili.

Ce sont ceux qu'on doit connaitre et qui montrent que le design Italien dure dans le temps malgré les changements de mode.

 Sono quelli che dobbiamo conoscere e che mostrano che il design Italiano dura nel tempo malgrado i cambiamenti di moda.

Lu et Ju

LE DESIGNER DU MOIS : Gaetano Pesce

    "Plus de diversité et moins d'égalité"

  Après avoir repéré une exposition de ce personnage dans la ville de Rome, nous nous intéressons ce mois ci à son histoire.

Grand artiste "Complet" ( en effet il est peintre, architecte, designer, sculpteur et philosophe!), Gaetano Pesce est né en 1939 en Italie nella regione Liguria. Il ne s'essaye au design qu'à partir de la fin des années soixante, période où les normes et le conformisme sont oubliés: les années pop. Gaetano Pesce se plaît dans cette époque, car elle lui permet d'experimenter toutes sortes de matériaux: son passe temps favori ( Travail au CIRVA ). En effet, il n'a guère utilisé de matériaux naturels, il préfère les matériaux synthétiques tels que: résine, élastomères, mousse polyuréthane... Dans l'ensemble de ses produits, il n'utilise jamais de formes géométriques, et préfère les formes laissées au hasard. D'ailleurs, presque toutes ses pièces sont uniques grace aux matériaux utilisés et à leur forme initiale. C'est ce qui plaît à Gaetano, c'est de la diversité et non pas de l'égalité. Il ne s'intéresse plus à la fonction d'un objet comme beaucoup l'on fait avant, mais il préfère s'attarder sur leur sens, et donc avoir une approche philosophique. 

Sa première grande création date de 1969 et lui a permis d'atteindre une notoriété mondiale.

La série UP est composée de 6 (puis 7) sièges en mousse polyuréthane alvéolée qui ont la particularité de se gonfler lors du déballage.

Le UP 5 reste le plus marquant, est celui que tout le monde cite lorsque l'on parle de Gaetano Pesce. Le designer défend la place des femmes dans la société. Ce siège, la Mama accompagné de son "boulet" (UP 6) représente pour lui la femme esclave de la société et des hommes. Ces 7 modèles sont visibles au Vira Design Museum et édités chez B&B Italia.

Quelques une des autres oeuvres de Gaetano Pesce, puisqu'on ne peut plus s'en passer. 

 

Si vraiment vous voulez en connaître et en savoir plus, je vous invite à aller au Maxxi à Rome (Musée National des arts du XXIeme siècle). La rétrospective rassemblera plus de 300 pièces de ce fabuleux artiste du 28 mai au 4 octobre 2014 !!

Ju & Lu

LE DESIGNER DU MOIS : Raymond Loewy

"La laideur se vend mal"

  Raymond Loewy fait partie des incontournables lorsqu'on parle de designers. Né en 1893, en France il  commence par faire des études d'ingénieur. Ensuite, devient concepteur de vitrines et illustrateur de mode. Appelé à faire la première guerre mondiale, il reçoit la légion d'honneur. Les années 20 marquent un tournant dans son existence. En effet, ce français s'expatrie aux Etats Unis où il ouvre son agence de design industriel. Il étend son agence, dans les années 30 à Londres et Paris. Son début de carrière est marqué par le courant du streamline dans lequel il s'inscrit avec son taille crayon par exemple.  

Ce sont les personnes pour qui il a travaillé qui font de lui une légende ! Pour l'anecdote, il a travaillé dans l'aménagement intérieur de la navette spatiale Skylab pour la NASA.

Mis à part cela, Raymond Loewy a vraiment été un designer industriel multifonction.

En effet, il a aussi bien fait des bus, que des ustensiles de cuisine en passant par des logos ou des radios.

De Heinz à Lucky Strike en passant par Shell ou Exxon, Raymond Loewy façonnera également tout au long de sa carrière l'image d'une multitude d'entreprises. 

La plus grande innovation pour son époque qu'il réalisera est "l'agence de conseil". 

J'ai choisi de vous parler d'un des objets inventés par Raymond Loewy puisqu'il était surnommé le "père du design industriel". C'est donc en 1947 qu'il réinvente un distributeur de soda pour la célèbre (enfin je crois) marque Coca Cola.  Il le rend plus moderne avec une forme aérodynamique tout droit sortie d'une soufflerie. Il permet aussi avec ce nouveau modèle une meilleure efficacité et donc plus de profits!

De loin, si on enlevait le logo et la marque coca cola, on pourrait penser que cet objet est en réalité un moteur de bateau ! 

Les deux images sont à gauche une publicité à la peinture à l'huile de 1949 et à droite le dessin du brevet qui a été déposé aux Etats Unis. 

 Lu

  Le premier logo de la compagnie Shell   est apparu au début du 20ème siècle. La société a fait appel à Raymond Loewy 

dans l'objectif de rendre le logo plus facilement identifiable. Le logo sera de plus en plus simple, ayant comme image d'origine: la silhouette d'une coquille Saint-Jacques.

C'est en 1971 que le logo a prit sa forme qu'il a encore aujourd'hui; que Raymond Loewy a dessiné. 

L'identité visuelle a été conservée, mais le logo est d'avantage dynamique, réellement simplifié je le trouve plus pertinent que celui de 1961, et il m'a toujours interpelé au bord des routes! 

C'est en 1999 que le nom de la marque sera enlevé du logo.                                    Ju

        

Bref, Raymond Loewy a su transformer les objets du quotidien en objets cultes et incontournables. 

LA DECOUVERTE DU MOIS : Robert Van Embricqs

   Robert Van Embricqs est un Designer Hollandais diplômé de la Gerrit Rietveld Academy: une école d’architecture qui se trouve à Amsterdam. Pendant sa scolarité, Robert s’est approprié une technique de conception de mobilier capable de se plier et de se déplier à la guise de l’utilisateur.

Robert Van Embriqs is a Dutch designer who graduates in the Gerrit Rietveld Academy: It’s a school of Architecture in Amsterdam, Netherland.  During his school time, Robert appropriates a technical of furniture conception. This furniture could fold over or unfold like the user want. 

Sa première création est la Rising Chair, une création récompensée de plusieurs prix: le Troisième prix du concours Fubiz Awards en 2013, et le premier prix des concours Red dot design award et WoodChalenge en 2011.

His first creation is the Rising Chair, a creation which has many prizes. It got the third prize for the Fubiz Awards in 2013 and the first prize for Red dot design award and WoodChallenge in 2011. 

Ce jeune designer a exposé à la Dutch Design Week d’Eindhoven: c'est là que nous l’avons découvert.

 Son concept est de partir d’une surface totalement plane en bois et de faire naître un mobilier par pliage. Cette surface plane est composée de lattes en bois, coupées à certains endroits et articulées de telles sortes que chacune puisse être coudée: un vrai tour de magie. Un pliage simple mais d’apparence très complexe, ce qui lui permet de lier pratique et esthétique d’une manière remarquable. Sa forme peut faire penser à des formes biologiques, à l’armature de la coque d’un vieux vaisseau, et tous ces pliages peuvent s’apparenter à l’origami.

This young designer shows his job at the Dutch design week in Eindhoven: It’s there that we discovered him. 

His concept is to start with a flat surface in wood and to make the furniture born by folding over. This flat surface is composed by wooden slat, cut in several parts. Thanks to that, the slats could be articulated. It is a magic act. A folding very simple but a complex form, this permit to attach the practical and the aesthetic. Its form seems to be a biologic form, or origami.

La Rising chair a des frères et soeurs: la Rising Table et la Rising Side Table et Rising Stool qui reposent sur le même procédé.

The Rising Chair has brothers and sisters: The Rising Table, the Rising Side Table or the Rising Stool that function by the same concept. 

Mais sa technique ne se limite pas à l’échelle du mobilier, notre designer a la volonté de pousser son idée à l’échelle architecturale. Comme par exemple pour le Shift & Merge Pavillion.

 C'est une structure de lattes en aluminium articulées par des charnières: de manière à créer des zones d’ouverture lorsqu’il est en volume. Nous aimons cette idée de pouvoir passer d’une surface plane à une infrastructure. 

But his technic is not only for furniture, it could be for architecture too. For example for the Shift&Merge Pavilion. 

This is a structure with aluminum slates articulated by hinges. Thanks to this, there are opened zones in the volume.  We like this idea, which it’s possible to start with a flat surface and finish with an infrastructure. 

   

Ju & Lu 

CULTURE : Le Corbusier et la question du brutalisme

  Aujourd'hui, sortie scolaire à Marseille! 

C'est avec grand plaisir que nous nous dirigeons vers le J1. 

C'est un immense hangar sur les quais du port de Marseille. Il a été aménagé en un lieu de 2500 m² d'exposition pour Marseille Capitale de la culture 2013 (MP2013). C'est une exposition sur un architecte bien connu ici qui nous attend: Charles-Edouard Jeanneret, plus connu sous le nom du Corbusier, et la question du Brutalisme. 

Le Corbusier, qui ne nous quitte plus, est un artiste complet; on a déjà remarqué qu'en plus d'être un architecte, il est un designer industriel mais aussi un urbaniste. Aujourd'hui on a appris qu'il peint également, sculpte à quatre mains avec un ami et sur la fin de sa vie il fait même des vidéos. Autre nouvelle, "Le  Corbusier" est en réalité le nom d'un de ses ancêtres qu'il prend comme pseudonyme.

Il établit des principes architecturaux avec son projet architectural "Dom-ino" qui marque le début de la standardisation en architecture (eh oui, c'est avant tout un architecte). 

Ses Principes sont les suivants: 

- Un système d'élévation du bâtiment soit des pilotis qui permettent de dégager la structure de l'humidité du sol, mais aussi de garer les voitures, car oui, déjà dans les années 20, le Corbusier les considère comme un membre de la famille.

- Une structure qui élimine les murs porteurs au profit de piliers porteurs: ce qui permet d'avoir de grandes baies vitrées et donc des intérieurs lumineux et bien chauffés grâce au soleil. Le Corbusier étudiait énormément les trajectoires du soleil, de manière à accentuer ou diminuer son effet de chauffe selon les saisons.

 

- Un toit terrasse, ou pont du navire, qui permet d'avoir diverses activités telles qu'une piscine ou un théâtre mais aussi une belle vue du ciel. 

  Le Corbusier met également un point d'honneur à ce que la culture du lieu soit intégrée au bâtiment qu'il imagine.

C'est ce que l'on appelle "le Régionalisme", il utilise par exemple, en plus du béton des pierres de pays pour bâtir ses immeubles. 

  Lorsqu'il construit la ville Chandigarh après l'indépendance de l'Inde, Le Corbuiser cherche aussi des symboles qui représenteraient le pays qu'est l'Inde, pour différencier ses constructions de celles occidentales. Cette ville est entièrement bâtie sur les bases du Modulor (Voir article Le Corbusier) des routes aux constructions. Ca a été le seul moyen de communication entre les chefs de chantier du Corbusier et les artisans Indiens.

 Le thème principal de cette exposition était aussi "le Brutalisme", qui est en réalité l'emploi de matériaux bruts, qui seront mis en valeur, et ne subiront pas de finitions. Ajoutez à ces caractéristiques des formes géométriques simples, et vous toucherez cet art que manipule assez bien Charles-Edouard Jeanneret.

L'exposition aussi a été entièrement pensée selon le Modulor; la hauteur de plafond, la taille des différentes salles, leur distance des unes des autres, la largeur des passages, et même les couleurs sont celles utilisées le plus souvent par Le Corbusier: Un excellent moyen de s'immerger dans son mode architectural.

Lu et Ju !

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LA DECOUVERTE DU MOIS : La designer Margaux Keller

  Jeune Designer Marseillaise, à 26 ans seulement, Margaux Keller est bien partie pour imposer son univers dans le monde du Design. 

Après avoir décroché son diplôme brillamment en 2010, elle est passée par « La Mecque  du design » comme elle l’appelle: l’agence de Philippe Starck. 

Depuis, elle a fait prendre forme à de nombreux projets pour de grandes marques telles que: Yves Saint Laurent Beauté, La Redoute mobilier ou Habitat. Elle est partout depuis le début de l’année, que ce soit dans les magazines ou sur les salons tels que la Biennale de Milan 2013 ou Maison et Objet à Paris. 

Margaux porte beaucoup d’intérêt pour les matériaux qu’elle utilise et les artisans qui les subliment, et en particulier pour trois matériaux naturels: le bois massif, la céramique et le verre soufflé. 

Son travail repose sur une recherche d’un résultat durable, utile, qui provoque des émotions voire du plaisir.

Elle cherche à rendre ses créations poétiques et amusantes à la fois; elle invente notamment au sein d’un collectif des objets décalés.

Moi, je voudrais vous parler d’un objet plein de poésie réalisé par Margaux Keller : son vase Tori. D’inspiration chinoise, c’est un des objet commandé à la designer par la Compagnie Française de l’Orient et de la Chine (CFOC). Le vase, comme le reste de la collection est fabriqué à la main par des artisans, ce qui tient beaucoup à cœur à Margaux. Le verre ainsi qu’une tige de noyer sont travaillés avec finesse et de façon épurée. Le vase Tori est très original par sa forme. Le vase en lui même, suspendu à la tige de bois et enfermé dans une prison de verre, qui reste donc transparente. On a un secret juste sous le bout de son nez. Cela ressemble à un petit nid de verre dans lequel vient se lover une plante ou une fleur !! Lu’ 

Il fallait y penser! Ce scriban pour la Redoute joue parfaitement le rôle d’un meuble d’appoint. Il répond aux besoins du quotidien, on peut y déposer son courrier, écrire un petit mot ou une lettre; s’y installer pour un instant ou pour des heures. Il n’a peut être que deux pieds mais il est bien ancré dans votre intérieur. Même si cette particularité le rend si léger qu’on pourrait le croire entrain de flotter au dessus du sol. Comme à son habitude, c’est un matériau noble qu’utilise Margaux pour sa création; le chêne massif pour être plus précis. Du mobilier comme ça, on en veut encore !! Ju’

CULTURE : DUTCH DESIGN WEEK Kazerne

  Troisième et dernier jour si l’on peut dire, puisque demain, à la première heure, nous reprenons l’avion. Ayant déjà fait les expositions de grande ampleur, il ne nous reste pour aujourd’hui que des lieux isolés aux objets exposés étranges. 

      

Le design expérimental, on accroche ou on n’accroche pas, mais il permet souvent de faire de grands pas en avant. (Par exemple l’étude de recyclage du pneu). La première installation est bien organisée, on suit des planches de bois qui dessinent notre chemin tout au long de la visite. Les plus curieux quittent les sentiers battus pour aller explorer le travail des designers. 

Ensuite, direction la KASERNE, un lab (comprendre laboratoire, on est toujours dans l’expérimentation) où sont réunis tout un groupe de designers. Dans un coin, une lampe fait des bulles de savon.

 

Autre curiosité du lieu, d’énormes baignoires extérieures (oui, on appelle ça des jacuzzis) chauffées grâce au barbecue qui y est accroché. Ils sont fous ces gens du nord ! 

Then… aujourd’hui on a fait beaucoup de petits lieux. Then… on est entrés dans une usine de tissu, très vieille, où on a trouvé un livre explicatif en français ! Les motifs africains ont illuminé le ciel gris d’Eindhoven. 

Encore après, c’est dans une école d’architecture que l’on a atterri. Des maquettes époustouflantes de détails et de réalisme étaient exposées. Ce qui était drôle c’est que par de grandes baies vitrées, on pouvait voir les étudiants mesurant et découpant d’autres maquettes dans un grand atelier. Celui-ci donnait vraiment envie d’avoir le même. Une école avec de gros moyens vous dis-je, puisque la cafétéria était meublée de dizaines de chaises Eames. 

Enfin, on s’est retrouvés dans un énième hangar, ou entre autres, on a beaucoup aimé les chaises de réunion multicolores.